Category Archives: Artículos

Cómics, punk e ilustraciones: una mirada a los zines hechos por mujeres en Puerto Rico (1997-2019)

Resumen: Los zines son publicaciones independientes y autogestionadas, usualmente de bajo costo, pero con profundas preocupaciones estéticas por parte de sus creadores/as. El ámbito en que se desarrollan va frecuentemente ligado a escenas musicales no tradicionales, como es el punk. Si bien estos ambientes en los que se crean y se distribuyen son predominantemente masculinos cisgénero, a partir de los años noventa comienzan a destacar publicaciones independientes hechas por mujeres, cuya trayectoria las ha llevado a aumentar su visibilidad. Este artículo presenta un acercamiento histórico a las aportaciones de los principales zines realizados por mujeres en el archipiélago puertorriqueño, con un estudio de sus temáticas y de los intereses de sus creadoras.

Abstract: Zines are independent, mostly low-cost, self-made publications, which can reflect the profound aesthetic concerns of their creators. These publications are often developed in relation to underground music scenes, such as punk. While these are mostly cisgender male-oriented environments, women have been publishing zines and comics in Puerto Rico since the 1990s, and their presence and visibility have also been on the rise. This article presents a herstorical approach to the contributions made by women’s zines in the Puerto Rican archipelago, focusing on the specific themes and interests of their creators. 

El recuerdo en materia: Los cuadros de cabello femenino de la Casa Cautiño en Guayama

Resumen: Diferentes conflictos bélicos y epidemias incrementaron notablemente la mortalidad en el siglo XIX a través de occidente, algo que tuvo gran influencia en determinadas expresiones artísticas y artesanales del periodo, cuyo interés era guardar el recuerdo de las personas allegadas. En algunas de ellas, principalmente realizadas por mujeres, el cabello humano es protagonista, puesto que se convertía en un medio que lograba conservar la memoria tangible. El Museo Casa Cautiño, en Guayama (Puerto Rico), custodia dos obras de este género artístico, realizadas con los cabellos de Juana Monserrate Vázquez, de las que aquí se desarrolla un análisis formal e iconográfico, en el marco de su contexto familiar e histórico.

Abstract: In the nineteenth century, various war conflicts and epidemics increased mortality significantly in the Western world, greatly influencing the work of artists and artisans at the time, who sought to keep alive the memories of loved ones. In some of these artworks, mainly made by women, human hair functions as a principal medium aimed at preserving tangible memory. The Casa Cautiño Museum in Guayama (Puerto Rico) has two works of this genre, made from Juana Monserrate Vázquez’s hair. Here they are both subjected to a formal and iconographic analysis, in a family-oriented and historical context.

Talladoras de santos en Puerto Rico: Veinticinco años de gestión del grupo

Resumen: Aunque se estima que los inicios de la talla de santos se dieron en el periodo de la colonización española de la isla, cuando la Iglesia Católica, en su misión evangelizadora, enfatizaba el culto de las imágenes religiosas, escasean las menciones históricas a mujeres talladoras antes del siglo XX. A lo largo del pasado siglo y en el presente, comienzan a destacar nombres de mujeres entre quienes crean estas tallas. La labor de las Talladoras de santos se incorporará a la tradición de los “santeros”, una práctica anteriormente dominada por hombres, contribuyendo además con sus aportaciones a la tradición.

Abstract: While the beginnings of the santos carving tradition is considered to occur during the Spanish colonization of the island, when the Catholic Church, on its evangelizing mission, placed emphasis on the veneration of religious images, historical mentions to women carvers before the 20th century are scarce. Throughout the past century up to the present, some women’s names begin to be highlighted as carving creators. The work of the Women Santos wood carvers will be included in the santos carver’s tradition, formerly under a male dominance, while they also actively contribute to the tradition.

Historias por escribir: cuestiones sobre género en cinco aportaciones a la historia del arte en Puerto Rico

Resumen: Este número reúne un grupo de recientes investigaciones sobre la historia del arte en Puerto Rico, en las que un conjunto de mujeres son protagonistas, tanto en el ámbito de la creación como en determinados aspectos de su identidad y su iconografía, entre otros. A través de acercamientos tanto histórico-artísticos como historiográficos, se documentan e interpretan unas producciones que plantean un reto para distintas facetas de la disciplina, en sus propios contextos temporales y culturales, y que aquí se estudian reconociendo su valiosa aportación a este campo de conocimiento.

Abstract: This issue features recent research in art history in Puerto Rico, focusing on a group of women as protagonists, either as creators or in different aspects of their identity and iconography. Using both art historical and historiographic approaches, documentation and interpretation is provided in terms of how these women challenge different aspects of the discipline within temporal and cultural contexts, and in recognition of their important contributions to this field of knowledge. 

Lost and Found: Assessments of Suzi Ferrer’s Decade-Long Career in Puerto Rico

Resumen: Este ensayo traza la carrera de Suzi Ferrer, comenzando con la que es su obra más temprana conocida y culminando con un breve estudio de la que la artista consideraba su obra más madura: una serie de instalaciones que produjo en la primera mitad de la década de 1970. Este cuerpo de trabajo se analiza a través del lente de arte pop proto-feminista, donde se puntualiza la sexualidad y el placer femenino. Ferrer, de manera similar a otras artistas Pop de su generación e imbuida en el movimiento de liberación sexual y el feminismo de la segunda ola, creó obras que subvirtieron el statu quo político y social.

Abstract: This essay maps Suzi Ferrer’s career, beginning with her earliest known work and culminating with a brief study of a work that the artist considered her most mature: complex, immersive art installations she produced in the first half of the 1970s. This body of work is discussed through a proto-feminist Pop art lens, where female sexuality and pleasure are at the forefront. As with other female Pop artists of her generation, Ferrer created works that subverted the political and social status quo, which were influenced by the sexual liberation movement and the second-wave feminism.

El rizo y la trenza: el pelo de las mujeres negras en el arte puertorriqueño y su conexión con el Caribe

Resumen: A través de imágenes asociadas al pelo de las mujeres afrocaribeñas, las artistas puertorriqueñas Nitzayra Leonor, Zuania Minier y Yolanda Velázquez articulan un discurso de resistencia contra el control de los cuerpos de las personas negras, y en especial de las mujeres, por parte de los hombres blancos. Su propuesta artística rescata su historia y la historia de las mujeres afrodescendientes en el Caribe y América y establece lazos entre todas ellas y con sus ancestras en el continente africano. La obra se analiza en el contexto de la historia reciente del arte caribeño, y se establece un diálogo entre piezas que usan también la cabellera como punto de partida para la crítica racial y de género, en el resto del Caribe. 

Abstract: Through images associated with Afro-Caribbean women’s hair, Puerto Rican artists Nitzayra Leonor, Zuania Minier, and Yolanda Velázquez articulate a discourse of resistance against the control of Black bodies, especially Black women’s bodies, by white men. The works of these artists seek to liberate their own histories and the histories of African diasporic women in the Caribbean and the Americas and establish ties between them and their ancestors on the African continent. The artwork is examined within the context of recent Caribbean art history and a dialogue is established between works that also use hair as a starting point for racial and gender critical analysis around the Caribbean.

Desarrollo de un artista moderno: Narciso Dobal Guliani

Resumen: La formación artística de Narciso Dobal fue como su obra: muy poco convencional. A pesar de habérsele presentado oportunidades que no todos los artistas de su generación tuvieron, la época en que vivió estuvo marcada por la guerra y otros conflictos económicos y sociales. Interesado en el arte desde niño, Dobal se vio acompañado en sus años escolares y universitarios por prominentes figuras de las artes visuales y la literatura. Siendo así, al acercarnos a esta primera etapa de su desarrollo artístico obtenemos un atisbo de la escena artística en el Puerto Rico de la década de 1930.

Abstract: Narciso Dobal’s artistic training was, like his work, very unconventional. Despite he had opportunities that not all artists of his generation could aspire to had, the time he lived in was marked by war and other economic and social conflicts. Interested in art since childhood, Dobal was accompanied in his school and university years by prominent figures in the visual arts and literature. Thus, as we approach this first stage of its artistic development, we obtain a glimpse of the artistic scene in Puerto Rico in the 1930s.

Elegía al rostro final: la fotografía de la máscara mortuoria de Erich Sander

Resumen: Menschen des 20. Jahrhunderts (Gente del siglo XX) es el vasto proyecto fotográfico que August Sander desarrolló, no sin dramáticos obstáculos, a lo largo de cuatro décadas. La fotografía que cierra este extraordinario archivo es la de la máscara mortuoria de su hijo mayor, Erich. Esta elección del fotógrafo alemán abre una serie de distintos planteamientos que incitan a la reflexión, entre los que están la mirada del autor y su relación con el sujeto protagonista, el contenido histórico de la imagen y su carga política, su composición, su valor documental y de índice, su cuestionable objetividad, así como su contexto en el marco de la fotografía coetánea y su simbólica función en la producción del artista.

Abstract: Menschen des 20. Jahrhunderts (People of the 20th Century) is the vast photographic project that August Sander developed, not without dramatic obstacles, over four decades. The photograph that ends this extraordinary archive is that of the death mask of his eldest son, Erich. The decision of this German photographer opens a series of different questions that provokes a reflection on the author’s gaze and his relationship with the subject, the historical content and the political weight of the image, its composition, its documentary and indexical value, its questionable objectivity, and its place in the context of coetaneous photography and its symbolic function in the artist’s work.

Una postal d’Eivissa/Ibiza: imagen, paisaje, experiencia y narración en la época de la prototuristización

Resumen: Partiendo de la conexión entre un corto relato (“La muralla”), una postal y lo que se puede reconstruir de la experiencia de Walter Benjamin en Eivissa/Ibiza (1932-1933), se propone un análisis de la interrelación entre la narración, la imagen, el paisaje y la percepción de Eivissa, su situación y su transformación en esa época, por parte de un intelectual viajero/turista como él. La Ibiza de Benjamin, cómo aparece en sus textos o cómo parece influir en sus ensayos, nos dice sin embargo mucho del pensamiento, los métodos y los prejuicios del pensador, quizás más de él que de la isla.

Abstract: Following the link between a short story (“The Wall”), a postcard, and what can be reconstructed from Walter Benjamin’s experience in Eivissa/Ibiza (1932-1933), the author proposes an analysis of interrelationships between narration, image, landscape, and the perceptions of Ibiza —its situation and transformation during those times— by a traveler/tourist intellectual like him. How Benjamin’s Ibiza is pictured in his texts, and how it seems to influence his essays, says a lot about his thinking, methods and prejudices, maybe more about himself than about the island.

Susan Meiselas y lo invisible: la fotografía de guerra y su discurso

Resumen: Unas imágenes que la fotorreportera estadounidense Susan Meiselas realiza en 1980, en El Salvador, se exploran bajo la óptica abarcadora de la fotografía de guerra y atendiendo a un análisis deudor del poder de reflexión y de información que propicia ese género fotográfico. En particular, el foco de este análisis es el concepto de la invisibilidad, como un elemento clave en la representación de la violencia. Se examina en qué medida la invisibilidad logra propiciar el poder mostrativo y reflexivo de la imagen fotográfica, y transformarla en una mediación para ser cuestionada como algo más que en una fuente dogmática de la verdad.

Abstract: Some images taken by American photojournalist Susan Meiselas in El Salvador in 1980 are explored under the wide optics of war photography and analyzing the power of reflection and information this photographic genre favors. Particularly, this analysis is focused on the concept of invisibility, as a key element in the representation of violence. This article also examines how invisibility succeeds in fostering the demonstrative and reflective power of the photographic image, and transforming it into a mediation to be questioned as something else rather than a dogmatic source of truth.

La imagen, la palabra y el tacto: El sacrificio de Abrahán de Rembrandt y la gráfica como un ejercicio de intimidad

Resumen: Este estudio del aguafuerte El sacrificio de Abrahán (1655) de Rembrandt analiza su iconografía y el rompimiento parcial con la palabra, a través del énfasis en lo háptico y la hexis corporal. La imagen se analiza a la luz de distintos datos biográficos del artista holandés y de información sobre las diferencias entre la gráfica holandesa del siglo XVII y la pintura, en cuanto a dimensiones, coleccionismo y los hábitos del espectador.

Abstract: This study of Rembrandt’s etching The Sacrifice of Abraham (1655) analyzes its iconography and its partial break with the word, through the artist’s emphasis on bodily hexis and the print’s haptic qualities. The image is analyzed to the light of biographical information about the Dutch artist, the differences between Dutch prints of the 17th century and painting, with regards to dimensions, collecting and the spectator’s habits.

Del silencio al discurso: pensar con las imágenes

Resumen: “Del silencio al discurso: pensar con las imágenes” es una invitación a reflexionar sobre cinco imágenes distintas, realizadas por diferentes artistas, en sus particulares épocas, contextos geográficos y trasfondos culturales. Las miradas que aquí se proponen para analizar cada una de ellas ponen de manifiesto tanto las perspectivas propias de distintas disciplinas como el interés por generar un discurso que revele las circunstancias que envolvieron su creación, su difusión y su actual recepción.

Abstract: “From Silence to Discourse: Thinking with Images” is an invitation to reflect on five different images, made by different artists, in their particular times, geographical contexts and cultural backgrounds. Each of these images are analyzed from diverse points of view, revealing the perspectives of different academic disciplines, and the interest in generating a discourse that reveals the circumstances in which they were created, disseminated and they are received nowadays.

La mímesis de las imágenes: una aproximación al gesto apropiacionista

Resumen: El concepto mímesis, en tanto que reproducción o imitación de la naturaleza, ha sido uno de los temas centrales de la reflexión estética. Se repasa aquí dicho concepto según aparece en la doctrina platónica y aristotélica, para contrastarlas con la reconsideración llevada a cabo por el filósofo Hans G. Gadamer. La crítica gadameriana nos permitirá abordar una relectura del concepto de mímesis que, a su vez, abre una nueva vía para interpretar las prácticas apropiacionistas, más allá del marco conceptual de la crítica postmodernista.

Abstract: The concept mimesis, as reproduction or imitation of nature, has been one of the central themes of aesthetic reflection. This concept is reviewed here, as it appears in Platonic and Aristotelian doctrines, to contrast it with the reconsideration carried out by the philosopher Hans G. Gadamer. Gadamer’s critique will allow us to address a rereading of the concept of mimesis that, in turn, opens a new way of interpreting Appropriation Art, beyond the conceptual framework of postmodernist critique.

Arte, memoria y resistencia ante la violencia de Estado en Chile y Argentina

Resumen: Diferentes artistas contemporáneos, chilenos y argentinos, han desarrollado una importante producción en respuesta a los procesos de represión, violencia y crimen de Estado llevados a cabo durante los periodos dictatoriales y post-dictatoriales. En ese sentido, las artes visuales funcionan como forma de comunicación de memorias adquiridas, producto de la violencia extrema y el trauma. Las obras de estos artistas muestran la función del arte como medio de denuncia y acervo del recuerdo ante la urgencia de narrar aquello que se calificó como inexplicable o poco creíble por la brutalidad de los actos. Partiendo de la interrogante “¿cómo representar la tortura, la desaparición, la violación, la impotencia, el terror, la crueldad, la tragedia, en fin, lo acontecido en una dictadura?”, se compararán variantes a la luz de un marco teórico conceptual, integrado, entre arte, representación y memoria.
Abstract: Different contemporary artists from Chile and Argentina have worked in answer to the government repression, violence, and crimes that took place during the dictatorial and post-dictatorial periods in those countries. In this sense, visual arts work as a form of communication of acquired memories, as a result of the extreme violence and trauma experienced. These artworks show how the arts work as a means of denunciation and collecting memories given the urgency of narrating what has been described as something inexplicable or unbelievable, given the brutality of the acts. In answer to the question of how to represent torture, disappearance, rape, impotence, terror, cruelty, tragedy; in short, what happens in a dictatorship, a range of elements will be compared within a conceptual and theoretical framework integrating art, representation, and memory.

El cuerpo político en los performances de Regina José Galindo

Resumen:Regina José Galindo utiliza la acción corporal en un sentido simbólico, en un contexto político y cultural. La noción de cuerpo es su principal forma alegórica para construir otras perspectivas, en contraste con las estructuras y prácticas sociales que lo categorizan. Esta herramienta creativa que caracteriza sus trabajos artísticos resignifican el orden simbólico estructurado por el sistema hegemónico opresor del Estado y la sociedad. Como mujer guatemalteca, Regina José Galindo practica el arte del performance desde su propio contexto para asumir su posición en la creación de otros sentidos. Su trabajo creativo contiene una crítica a las represiones por cuestiones de raza, clase y género en la sociedad contemporánea.

Abstract: Regina José Galindo uses corporal action in a symbolic sense, in a political and cultural context. The idea of body is the main allegorical form she uses to construct other perspectives, in contrast to the social structures and practices that categorize it. This characteristic creative tool in her artistic works resignifies the symbolic order structured by the hegemonic oppressive system of both the State and society. As a Guatemalan woman, Regina José Galindo practices performance art from her own context to assume her position in the creation of other meanings. Her creative work contains a critique of the repressions of race, class and gender in contemporary society.

La comunicación como mecanismo de control social en el trabajo de Abdiel Segarra Ríos

Resumen: En Geometría de lo ordinario, un proyecto presentado al público en 2017, el artista puertorriqueño Abdiel Segarra explora las comunicaciones visuales, en el marco de la reciente historia de Puerto Rico y de su realidad colonial. Partiendo de un amplio conjunto de medios, que abarca la fotografía, el video o el frottage, Segarra incluye prácticas como la del flâneurismo para reflexionar acerca de la ciudad, el consumismo y el lugar del individuo.

Abstract: In Geometría de lo ordinario [Geometry of the Ordinary], a project presented to the public in 2017, Puerto Rican artist Abdiel Segarra explores visual communications, within the framework of the recent history of Puerto Rico and its colonial reality. Starting with a wide set of media, including photography, video or frottage, Segarra includes practices such as flâneurism to reflect on the city, consumerism, and the place of the individual.