Entretanto: exhibición de una obra en proceso de Jun Martínez

Resumen: En Entretanto: Exhibición de una obra en proceso, Jun Martínez invita al público a ser testigo de su proceso pictórico, el cual identifica con una utopía en acción. En ella, el artista enfatiza la pintura no como un producto terminado, sino como un gesto en el tiempo, inspirándose en el concepto teológico “ya pero todavía no”.
Abstract: In Meanwhile: Exhibition of an Artwork in Process, Jun Martínez is inviting viewers to observe his pictorial process, which he identifies as a utopia in action. In his exhibition, the artist emphasizes painting not as a finished product, but as a gesture in time, being inspired in a theological concept: the “already but not yet”.

Fuera de la burbuja: obra reciente de José Ballester

Resumen: Activismo comunitario, fotografía y diseño digital se conjugan en la propuesta más reciente de José Ballester. Frente a la realidad de una crisis mundial de salud, el sujeto de estudio en la serie fotográfica de este versátil artista se encuentra en una de las poblaciones más afectadas por las medidas de distanciamiento social. El proyecto evoluciona entonces de un modo inesperado, invitando al espectador a involucrarse más allá de la mirada. Valiéndose de las redes sociales como espacio de exhibición, “Fuera de la Burbuja” trasciende los límites del arte.

Abstract: Community activism, photography and digital design are combined in the most recent proposal by José Ballester. Faced with the reality of a global health crisis, the subject in the photographic series by this versatile artist was one of the most affected by social distancing measures. The project evolved in an unexpected way, inviting the viewers to get involved beyond their gaze. Using social media as an exhibition space, “Fuera de la Burbuja” transcends the limits of art.

The Museum of History, Anthropology and Art: A Resource for Research and Education

Detalle de la exposición 'Pintura y dibujos de Arana', 6 de agosto de 1963.

For nearly 70 years, the Museum of History, Anthropology and Art has served as one of the institutions that has contributed the most to the cultural heritage of the island. Its collection of Puerto Rican art—one of the most complete—is an invaluable resource for the study of our arts. It is also the custodian of important collections of international graphic works and Puerto Rican archaeology.

Diversidad junto a cohesión

Resumen: En el vigésimo quinto aniversario de su fundación, la Galería de Arte de la Universidad del Sagrado Corazón celebra los frutos de la enseñanza y la práctica de las artes visuales en la institución, invitando a veinticinco de sus graduados más reconocidos. A través de una amplia diversidad de medios, este conjunto de artistas reúne algunas de sus obras más recientes y, con ellas, rinden homenaje a su alma mater.

Abstract: On the twenty-fifth anniversary of its foundation, the Art Gallery of the Universidad del Sagrado Corazón celebrates years of teaching and practice of visual arts at the institution, by inviting twenty-five of their most recognized graduates. Through a wide diversity of media, these artists bring together some of their most recent art works, paying homage to their alma mater.

The Archaeological Research Center

In its 72 years, the Archaeological Research Center (Centro de Investigaciones Arqueólogicas) has consistently carried out its mission of studying and defending Puerto Rico’s Indigenous and historical cultural heritage. It is because of the efforts devoted to this significant project, initially led by Dr. Ricardo Alegría and later by Dr. Chanlatte Baik, that we have been able to assemble the largest and most important archaeological collection in the Caribbean.

Art Collections of the University of Puerto Rico

The history of art in Puerto Rico would be incomplete without mentioning the enormous contributions made over the last century by the leading institution of higher learning in our country, the University of Puerto Rico. The university’s commitment and unflagging efforts in fostering artistic sensibilities have characterized the education offered, to this day, in the lecture halls of our alma mater. Faced with rapidly changing realities, the Humanities and the Visual Arts position themselves as essential disciplines for a more comprehensive and inclusive education of present and future generations. In the hopes of contributing to this purpose, we present this edition of Visión Doble.

Norma Vila Rivero en su serie “Una metáfora contra el olvido”

Resumen: Durante siglos, el arte interpretó el paisaje como una forma de reflejar la belleza y el contexto donde habitamos. En años recientes, lo que era un ejercicio estético se ha convertido en una práctica política que cuestiona la administración, la creación y la destrucción de dicho paisaje. Norma Vila Rivero, en su serie Una metáfora contra el olvido, comenta la visualidad de nuestro entorno físico, rescatando imágenes perdidas sobre las espaldas de sus distintos individuos.
Abstract: For centuries, art have interpreted landscape as a form to represent beauty and the context in which we live. In recent years, that aesthetic exercise centered on beauty has transformed into a political practice, questioning the administration, creation and destruction of landscapes. In her series Una metáfora contra el ovido (A Metaphor Against Oblivion), Norma Vila Rivero uses performatic photography to make comment on the visuality of our physical environment, rescuing lost images on the backs of her subjects.

Retrato de una (de)colonizada: un álbum fotográfico de mi multicultural identidad

Resumen: Brenda Cruz reflexiona sobre Retrato de una (de)colonizada, una serie fotográfica cuyo propósito es reescribir la historia hegemónica y repensar el pasado colonial nacional, para así dar visibilidad a una población que fue víctima de la exclusión y de la opresión. A través de diversas o múltiples identidades (transnacionales, híbridas y móviles), configuradas en forma de autorretratos, Cruz comparte sus pensamientos sobre la decolonialidad, revisando discursos históricos hegemónicos, en los que ha predominado la mirada del poder y con los que se han creado estigmas y estereotipos sobre el cuerpo negro, sobre la mujer y su invisibilidad.
Brenda Cruz reflects on Portrait of a (De)Colonized Woman, a photographic series which aims to rewrite hegemonic history and rethink the national colonial past, in order to raise awareness to a population that was a victim of exclusion and oppression. Through diverse or multiple identities (transnational, hybrid and mobile), in the form of self-portraits, Cruz shares her thoughts on decoloniality, reviewing hegemonic historical discourses in which the gaze of power has been predominant, creating stigmas and stereotypes about the black body, about women and their invisibility.

Arte, memoria y resistencia ante la violencia de Estado en Chile y Argentina

Resumen: Diferentes artistas contemporáneos, chilenos y argentinos, han desarrollado una importante producción en respuesta a los procesos de represión, violencia y crimen de Estado llevados a cabo durante los periodos dictatoriales y post-dictatoriales. En ese sentido, las artes visuales funcionan como forma de comunicación de memorias adquiridas, producto de la violencia extrema y el trauma. Las obras de estos artistas muestran la función del arte como medio de denuncia y acervo del recuerdo ante la urgencia de narrar aquello que se calificó como inexplicable o poco creíble por la brutalidad de los actos. Partiendo de la interrogante “¿cómo representar la tortura, la desaparición, la violación, la impotencia, el terror, la crueldad, la tragedia, en fin, lo acontecido en una dictadura?”, se compararán variantes a la luz de un marco teórico conceptual, integrado, entre arte, representación y memoria.
Abstract: Different contemporary artists from Chile and Argentina have worked in answer to the government repression, violence, and crimes that took place during the dictatorial and post-dictatorial periods in those countries. In this sense, visual arts work as a form of communication of acquired memories, as a result of the extreme violence and trauma experienced. These artworks show how the arts work as a means of denunciation and collecting memories given the urgency of narrating what has been described as something inexplicable or unbelievable, given the brutality of the acts. In answer to the question of how to represent torture, disappearance, rape, impotence, terror, cruelty, tragedy; in short, what happens in a dictatorship, a range of elements will be compared within a conceptual and theoretical framework integrating art, representation, and memory.

Diario de un chango: los regresos de Edgard Rodríguez Luiggi

El trabajo de Edgard Rodríguez Luiggi es complejo en temas, materialidad y técnicas. En Diario de un chango, ciento una placas desechadas de mylar para imprenta constituyen espacios aleatorios, donde el estrago debido al chango deviene un “cualquiercosario” dedicado a la repetición, el humor negro y el olvido. Su exhibición ocupó las salas de la Liga de Arte de San Juan, entre enero y febrero de 2020.

Edgard Rodríguez Luiggi’s work is complex in terms of themes, materiality and techniques. In Diario de un chango [Diary of a Grackle], one hundred and one discarded mylar plates for printing constitute random spaces, where havoc caused by the grackle becomes a “cualquiercosario” dedicated to repetition, black humor and oblivion. His exhibition was on show at the Liga de Arte de San Juan, between January and February 2020.

Por una modernidad sin muros: “Los tres grandes” en el Whitney

Resumen: La exhibición Vida Americana: Los muralistas mexicanos rehacen el arte estadounidense, 1925-1945, abierta en el Museo Whitney de Arte Estadounidense en Nueva York, explora la influencia ideológica y de estilo de “Los tres grandes” del muralismo mexicano en el arte de Estados Unidos durante dos décadas de convulsión social social y política en ambas naciones. José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera protagonizan una exhibición que cuenta con una impresionante selección de obras, en total cerca de doscientas, de sesenta artistas mexicanos, estadounidenses y de otras nacionalidades.
Abstract: The exhibition American Life: Mexican Muralists Remake American Art, 1925-1945, open at the Whitney Museum of American Art in New York, explores the ideological and stylistic influence of “Los Tres Grandes” of Mexican Muralism on the art of the United States during two decades of social and political upheaval in both nations. José Clemente Orozco, David Alfaro Siqueiros, and Diego Rivera are the stars of an exhibition that features an impressive selection of works, nearly two hundred, by sixty artists from Mexico, United States, and other countries.

El vídeo como método: Espejos de lo invisible de Bill Viola, en Fundación Telefónica

Resumen: La presente exposición del videoartista estadounidense Bill Viola en la Fundación Telefónica, Espejos de lo invisible, es el punto de partida para una profunda revisión de sus obras más relevantes. Con ella se realiza un recorrido por sus temáticas y por la aportación del autor a esta disciplina artística.

Abstract: Mirrors of the Invisible is the present exhibition by American video artist Bill Viola, open at Fundación Telefónica in Madrid. This show is the basis for a thorough revision of his most relevant works, themes and the author’s contribution to this artistic discipline.

Enjambre a la huida en la reciente producción de Annelisse Molini

Resumen: Escalera de escape, la exhibición que la obra de Annelisse Molini ha protagonizado desde el pasado mes de noviembre en el Museo de Las Américas en San Juan, es una muestra evidente de que esta creadora es fiel a las inquietudes vitales, a las pulsiones visuales y a las formas que han dibujado una particular identidad en toda su producción.

Abstract: Escalera de escape [Emergency Stairway] is the exhibition of Annelisse Molini’s work at the Museo de Las Américas, in San Juan, open since November. This show is an evidence of the artist’s loyalty to the life concerns, visual impulses and forms that have drawn a particular identity in her artwork.

Irene Delano y la perfección de la imagen

Resumen: Irene Delano es una figura clave en la historia de las artes gráficas puertorriqueñas del siglo XX. Una reciente exposición en el Museo Casa del Libro rinde homenaje a su trabajo en conmemoración por su centenario. La muestra viene a revisar sus numerosas aportaciones, a la vez que reúne gran parte de su obra, entre la que destaca el diseño de libros, tarjetas navideñas e ilustraciones.

Abstract: Irene Delano is a key figure for Puerto Rican history of printing during the 20th century. A recent exhibition at the Museo Casa del Libro pays tribute to her work in commemoration of her 100th birthday. The exhibition reviews her numerous contributions, while gathering much of her artworks, among which the design of books, Christmas cards and illustrations stand out.

Retrato de una isla que no existe

Resumen: En su presente exhibición en la Sala FAR, la artista Tari Beroszi, recientemente premiada con un Beca Pollock-Krasner, apunta su lente fotográfico hacia la situación actual de la política exterior de Puerto Rico. Provocando accidentes controlados, crea una serie de paisajes con elementos abstractos, a los que otorga una lectura política e histórica, cargada de afirmación de la identidad puertorriqueña y su visibilidad en un marco global.
Abstract: Artist Tari Beroszi, recently awarded a Pollock-Krasner Grant, points her photographic lens towards the current situation of Puerto Rico’s foreign policy in her present exhibition in the Sala FAR. Causing controlled accidents, she creates a series of abstract landscapes with a political and historical reading, loaded with affirmation of the Puerto Rican identity and its visibility, in a global framework.

Ayer pasó, hoy es y mañana será: Puerto Rico ante el lente del cambio

Resumen: Abierta en el Taller Boricua, situado en el corazón de El Barrio neoyorkino, la exhibición Archivos, visiones y premoniciones acoge las obras de doce artistas unidos por sus lazos con Puerto Rico. La vicisitudes políticas, sociales y económicas que se viven en la isla, especialmente después del poliédrico desastre que despertó el Huracán María, son el detonante tanto de incisivas críticas como de nostálgicas miradas, que nos llevan a cuestionarnos qué será del presente y del futuro dentro de sus fronteras.

Abstract: Open at the Taller Boricua, located in the heart of El Barrio in New York, the exhibition Archivos, visiones y premoniciones [Archives, Visions and Premonitions] shows the works of twelve artists united by their ties with Puerto Rico. The political, social and economic vicissitudes in the island, especially after the multifaceted disaster that Hurricane Maria aroused, are the trigger for both incisive criticism and nostalgic glances, leading us to question what will be the present and the future in the island’s borders.

El cuerpo político en los performances de Regina José Galindo

Resumen:Regina José Galindo utiliza la acción corporal en un sentido simbólico, en un contexto político y cultural. La noción de cuerpo es su principal forma alegórica para construir otras perspectivas, en contraste con las estructuras y prácticas sociales que lo categorizan. Esta herramienta creativa que caracteriza sus trabajos artísticos resignifican el orden simbólico estructurado por el sistema hegemónico opresor del Estado y la sociedad. Como mujer guatemalteca, Regina José Galindo practica el arte del performance desde su propio contexto para asumir su posición en la creación de otros sentidos. Su trabajo creativo contiene una crítica a las represiones por cuestiones de raza, clase y género en la sociedad contemporánea.

Abstract: Regina José Galindo uses corporal action in a symbolic sense, in a political and cultural context. The idea of body is the main allegorical form she uses to construct other perspectives, in contrast to the social structures and practices that categorize it. This characteristic creative tool in her artistic works resignifies the symbolic order structured by the hegemonic oppressive system of both the State and society. As a Guatemalan woman, Regina José Galindo practices performance art from her own context to assume her position in the creation of other meanings. Her creative work contains a critique of the repressions of race, class and gender in contemporary society.

La comunicación como mecanismo de control social en el trabajo de Abdiel Segarra Ríos

Resumen: En Geometría de lo ordinario, un proyecto presentado al público en 2017, el artista puertorriqueño Abdiel Segarra explora las comunicaciones visuales, en el marco de la reciente historia de Puerto Rico y de su realidad colonial. Partiendo de un amplio conjunto de medios, que abarca la fotografía, el video o el frottage, Segarra incluye prácticas como la del flâneurismo para reflexionar acerca de la ciudad, el consumismo y el lugar del individuo.

Abstract: In Geometría de lo ordinario [Geometry of the Ordinary], a project presented to the public in 2017, Puerto Rican artist Abdiel Segarra explores visual communications, within the framework of the recent history of Puerto Rico and its colonial reality. Starting with a wide set of media, including photography, video or frottage, Segarra includes practices such as flâneurism to reflect on the city, consumerism, and the place of the individual.

El inevitable vis-a-vis caribeño: oda a la plástica dominicana

Resumen: A pesar de la proximidad geográfica y de los lazos históricos comunes que unen Puerto Rico y la República Dominicana, parecería que esta fraternidad no ha cuajado tan profundamente en el terreno de la producción artística. Cuestionando estos y otros asuntos, las curadoras de la exhibición Tiempo, modo, lugar: nueva sintaxis de la plástica dominicana abren un diálogo que tiene como protagonistas a los artistas participantes en la muestra, abierta en las salas de arte de la Fundación Cortés.

Abstract: Despite the geographical and historical proximity that unite Puerto Rico and the Dominican Republic, it would seem that this fraternity has not so deeply set in the field of artistic production. Questioning these and other issues, the curators of the exhibition Tiempo, modo, lugar: nueva sintaxis de la plástica dominicana [Time, Mode, Place: New Dominican Plastic Syntax] open a dialogue focused on the artists in the exhibition, which is open in the Fundación Cortés.

Del sonido del barro: una entrevista a Gadiel Rivera

Resumen: Gadiel Rivera, artista, maestro del torno y de las técnicas de cerámica a mano, conversa sobre algunos procesos y conceptos en su trabajo. Tras recibir la beca de la Liga de Arte de San Juan a sus dieciséis años, estudió con Carmelo Fontánez, y con la artista y antropóloga Gloria Duncan. Se inicia entonces en la cerámica con Sylvia Blanco, en la Universidad Interamericana, a la par que continuaba sus estudios de bachillerato en la Escuela de Artes Plásticas de San Juan. Esta entrevista ofrece un perfil de su formación artística, delineando la actividad vibrante de pensarse como creador plástico.

Abstract: Gadiel Rivera, artist and a master of pottery and ceramic techniques at hand, talks about some processes and concepts in his work. After being recipient of the Art League of San Juan grant at sixteen, he studied with Carmelo Fontánez, and with the artist and anthropologist Gloria Duncan. He then began working in ceramics with Sylvia Blanco, at the Interamerican University, while continuing undergraduate studies at the School of Plastic Arts in San Juan. This interview offers a profile of his artistic training, outlining the vibrant activity of thinking as a plastic creator.

El hilo como medio artístico

Resumen: Hilos: textil en el arte contemporáneo es una exhibición que presenta la obra de un grupo de artistas, todas mujeres, que han hecho de este material cotidiano un medio común para desarrollar sus propuestas. Con curaduría de Annie Y. Saldaña, se congregan en El Cuadrado Gris once creadoras procedentes de cinco países distintos, quienes producen un rico intercambio de ideas sobre la plástica actual, en sus contextos locales e internacionales.

Abstract: Hilos: textil en el arte contemporáneo [Threads: Textile in Contemporary Art] is an exhibition that presents the work of a group of women artists who made this everyday material a common media for their proposals. Annie Y. Saldaña, curator of the exhibition, presented the work of eleven creators, from five different countries, in El Cuadrado Gris, producing a fruitful exchange of ideas on contemporary art, in both local and international contexts.